En esta nueva entrega, Galindo muestra su cara más pop y propositiva sin perder la profundidad conceptual. La canción explora una arquitectura sonora impulsada por el indie- pop, matices de indietrónica y textura neopsicodélica. A través de este entorno envolvente, el tema propone un espacio de reflexión donde la nostalgia personal se cruza con un sutil trasfondo político y social.

Con una trayectoria previa vinculada a proyectos como Flora, la propuesta solista de Javier Galindo destaca por una producción cuidada y una identidad estética madura dentro de la escena independiente chilena. El sencillo contó con un equipo de trabajo de alto nivel técnico en la industria local:

Producción musical: Javier Galindo.
Grabación y mezcla: Antonio Vasallo (Oye Elizabeth).
Masterización: Francisco Holzmann.
Arte de portada: Mia Loops.

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“Ancla” apareció por primera vez como un demo en SoundCloud hace cuatro años y desde entonces ha seguido acompañando a Electra, transformándose con el tiempo y convirtiéndose también en parte habitual de sus presentaciones en vivo. Aunque inicialmente fue considerada para el lanzamiento original de Helíade, la artista decidió esperar hasta encontrar la forma definitiva de la canción.

“‘Ancla’ ha estado conmigo desde antes de terminar Helíade. En algún momento imaginé que sería la canción que presentaría el disco, pero sabía que no quería lanzarla hasta sentir que realmente estaba terminada. Ya habían pasado cuatro años desde que compartí el demo, así que esperar un poco más era menos importante que hacerla como yo quería. Al final, esa espera también cambió el lugar que ocupa la canción: en vez de presentar Helíade, ahora es la que abre su capítulo final. Se siente como la canción correcta para empezar a despedirme de este disco”, cuenta Javiera Electra.

En su versión definitiva, “Ancla” incorpora piano, cuerdas y capas de guitarras que amplifican la intensidad emocional del demo original y dan una nueva dimensión a una canción que también ha ido creciendo a través de sus presentaciones en vivo.

El single llega acompañado por “a’mar (live)” como lado B y por un videoclip dirigido por Freddy Rojas, filmado en la costa del sur de Chile. En él, Electra carga y se enfrenta a un ancla de tamaño humano en medio del paisaje costero, llevando al plano físico el peso emocional que atraviesa la canción.

“Ancla” llega después de un año clave para Javiera Electra y Helíade. El disco alcanzó el puesto #35 en la selección de Rolling Stone de los mejores álbumes latinos y en español de 2025, mientras que “Lágrima del Sol” fue incluida por Remezcla entre las canciones destacadas del año. Durante 2026, Electra llevó el álbum a nuevas audiencias con una presentación oficial en SXSW y una sesión para KEXP. También colaboró con Mon Laferte en “Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos”, canción incluida en Femme Fatale Vol. 2

Con próximas presentaciones en Fauna Primavera y Festival Neutral, “Ancla” marca el principio del fin de Helíade: una última expansión del disco antes de cerrar esta etapa y comenzar a mirar hacia lo que viene.

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Desde su versión original, “Bomba Chaya” encontró en el baile, la celebración y los sonidos de raíz latinoamericana algunos de sus elementos centrales. Ahora, la participación de Fuerza Maestra amplía ese universo a través de una propuesta profundamente vinculada a los ritmos andinos, los carnavales y las celebraciones populares. Con trompetas, barítonos, eufonios, tubas y percusión, la agrupación aporta una nueva fuerza a la identidad musical de Gepe, conservando la energía que convirtió a la canción en uno de los temas más queridos de su repertorio y reforzando el encuentro entre el pop y la tradición folclórica latinoamericana.

“BOMBA CHAYA (salto moreno!)” llega acompañada de un video oficial dirigido por Choko Latin, y que reúne a Gepe y Fuerza Maestra, sumando una nueva dimensión visual a esta reinterpretación y al espíritu festivo que ha acompañado a la canción desde su versión original. 

Este estreno se une a la serie de revisiones que Gepe ha hecho a su discografía para reinterpretar grandes clásicos de su repertorio, revelando su gran capacidad de enriquecer estas canciones y generando diálogos con nuevas generaciones, estilos y nacionalidades para ampliar su universo creativo y sonoro: «HABLAR DE TI (…)» junto a la cantante mexicana Silvana Estrada, «INVIERNO (en la playa)» junto a la argentina Daniela Spalla, «LOS BARCOS (se van)» con Macario Martínez y «SER AMIGOS (olvida)» en complicidad con el dúo de bolero pop Daniel, Me Estás Matando. 

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En esta nueva entrega, la artista encuentra en el paisaje árido la metáfora exacta para hablar de una relación desgastada y erosionada, a la vez que afianza el sello sonoro y emocional que ha ido forjando desde sus inicios, reafirmando una identidad artística que no le teme a mostrar lo íntimo.

Desierto habla del desgaste silencioso de una relación: esa distancia árida que se instala entre dos personas cuando las palabras ya no alcanzan y a la vez, expresa esa dificultad de soltar a una pareja aun cuando tienes la certeza de que no hay proyección», cuenta Sofía Tupper sobre el nuevo single y agrega que optaron por un arreglo sencillo, con sonoridades orgánicas y procesos de saturación que están en diálogo con el eje temático.

La canción fue grabada, producida y mezclada por Martín Schlotfeldt en Estudio 050, y masterizada por Francisco Holzmann en Estudio Holz Masters.

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Ese universo mágico, atmosférico, tan potente como dulce, sigue su curso con ‘Cuánto Yo Te Quiero’, nuevo sencillo estrenado junto al sello Ladera Volcán, en el que las intenciones electrónicas a 92 BPM se tornan románticas con segundas voces, guitarras eléctricas y percusiones latinas.

«Es una canción de amor, pero desde un lugar muy sencillo, luminoso y juguetón. La letra habla de ese momento en que estás tan bien con alguien que pareciera que no necesitas nada más. Es una canción sobre quedarse en ese instante, disfrutarlo y dejar que el mundo siga girando», cuenta sobre una lírica que canta frases como ‘Nada hace falta si está tu mirada’. 

Con un espíritu romántico y cotidiano, como el juego del flirteo que se da en llamadas telefónicas, Delis Val recorre las intimidades más corrientes para profundizar en ese sentir cálido, sin perder lo bailable y latino que tiene su estilo de cumbia.

«Aparece una sonoridad más alegre, pero igualmente con la existencia de sintetizadores, percusiones, guitarras eléctricas y voces se va construyendo una atmósfera que no es solamente tropical, sino también un poco psicodélica y onírica. La estructura también es un poco diferente: la estrofa repite una frase constantemente, así como lo suelen hacer los estribillos», desglosa sobre la composición que se encamina clara y definida. Porque la cumbia dream no es sólo un género: «es una manera de construir canciones y mundos. Música para bailar, pero también para imaginar y viajar», asegura. 

El primera adelanto de una nueva etapa que viene a consolidar más de 10 años de carrera y que durante los venideros meses seguirá develando más canciones y ampliando el mundo que nos cuenta. Más historias, más estados de ánimo y la búsqueda de mezclar cumbia con elementos electrónicos y la experiencia de vivir en el sur de Chile.

Los colores, olores y sensaciones del sur permiten volver a lo esencial: cuando nos alejamos del ruido y los adornos de la gran ciudad, aparece el ritmo y una forma más luminosa de habitar el sentir. Es desde ahí que Delis Val se acerca al amor en ‘Cuánto Yo Te Quiero’, una canción que contó con la producción de Pedro Leiva Rivas, además de los sintetizadores y la grabación, mezcla y masterización de Arturo Zegers.

«Un proceso de ir encontrando el equilibrio entre una cumbia que tuviera mucho movimiento y una atmósfera más soñadora y que, a su vez, expresara profundidad en una letra breve y simple», dice. 

Conectada con su horizonte artístico, la chilena permite romance, juego y baile para encontrar la belleza en lo simple, mostrándonos un poco más de su forma en su estado más genuino. «Es una propuesta que no busca solamente sonar de una determinada manera, sino transmitir una personalidad y una forma femenina de ver y vivir la cumbia». 

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Este nuevo sencillo es el primer trabajo en estudio de Javiera en siete años, desde el lanzamiento del aclamado álbum Gracias a Violeta (2019), que grabó junto al Cuarteto Latinoamericano y de Las Últimas Composiciones de Violeta Parra (2017), junto a su hermano Ángel. 

“Cariñar” inaugura un capítulo sonoro caracterizado por la madurez y la sutileza interpretativa, donde la ternura y el afecto incondicional se convierten en el eje de una composición que dialoga con la vulnerabilidad.

“Es la primera vez que tengo el placer de componer una canción a mi hijo Gael, que está a punto de cumplir 20 años, justo en la salida a volar hacia la adultez y en la despedida de su infancia. Por todo eso, es una canción que me emociona profundamente cantarla hoy”, comenta Parra sobre lo que significó escribir este tema.

En términos de producción, la artista reivindica su papel de compositora y solista, pero siempre acompañada por un potente sonido de banda. Así es que nos encontramos con una canción arriesgada y fresca, alejada de los arreglos rockeros, para dar espacio a una sonoridad luminosa, cálida, con texturas acústicas envolventes y con una voz en primer plano, llena de matices. 

Sobre lo mismo, extiende: “Volver a estas canciones me ha hecho reencontrarme con el mundo de la composición nuevamente, de una manera muy desprejuiciada y entretenida, la verdad. La sinergia de trabajar con músicos nuevos, siempre es una invitación a crear fuera de lo sabido, de la zona de confort. Entonces, eso me ha hecho renovarme y sentirme en una nueva era, un nuevo proceso”.

Junto con este hito discográfico, Javiera Parra dará inicio a una extensa gira de conciertos por el país, durante el último trimestre del año –con fechas próximas a confirmar–. El esperado reencuentro se llevará a cabo el domingo 13 de septiembre, en el Teatro Municipal de Las Condes, donde la artista participará del ciclo “Conciertos a la chilena”, organizado por el emblemático escenario capitalino, con una completa revisión de su repertorio, además de un sabroso set de cuecas junto a grandes invitados. Entradas disponibles en el sitio oficial del TMLC.

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En relación con el álbum, y en el marco de su reciente portada para NME, AKRIILA reflexiona: “Todo está completamente caótico; sólo estás mirando tus propios problemas, de una manera extremadamente ensimismada. Entonces llega un punto de inflexión: un verdadero rayo de luz tiene que entrar por la ventana para que entiendas que hay algo más allá. Que el mundo está girando y que yo estoy creciendo”.

El lanzamiento llega acompañado por el videoclip oficial de una de las canciones destacadas del álbum, “abrázame”. Entre los otros highlights del proyecto se encuentran los singles “partedemipartedeti” y “roger”, además de “suave”, colaboración con la artista de digicore Jane Remover que marcó el debut de AKRIILA en Atlantic Records. La recepción de “suave” fue inmediata: Rolling Stone en Español la describió como “una introducción ideal a la nueva era de AKRIILA, un hit bilingüe, caótico y emocionalmente intenso que expande aún más el universo sonoro de la artista chilena”, destacando además la manera en que ambas innovadoras combinan voces íntimas, sintetizadores procesados y elementos del indie-hyperpop. Todas las canciones del álbum cuentan además con piezas audiovisuales oficiales complementarias, disponibles en el canal de YouTube de AKRIILA.

Para acompañar el lanzamiento, AKRIILA emprenderá una extensa gira mundial como artista principal, luego de completar su primer tramo por Estados Unidos, que incluyó una residencia de tres noches en Elsewhere, en Brooklyn, Nueva York, además de presentaciones en Chicago, Los Ángeles y San Francisco. Durante este otoño, la gira llegará a Europa con fechas en Reino Unido, Francia y España, para luego continuar con un tramo latinoamericano que contempla México, Centroamérica y Sudamérica.

El tour culminará con una presentación de regreso a casa el 12 de diciembre en Estación Mapocho, Santiago de Chile. Las entradas para este show están en Ticketmaster.

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La reciente producción reúne diez canciones que recorren parte esencial del vasto repertorio de Inti Illimani, incluyendo composiciones vinculadas a Horacio Salinas, José Seves y Horacio Durán, junto a una formación especialmente convocada para este encuentro.

El registro fue realizado el 27 de diciembre de 2025, durante un concierto en el Teatro Municipal de Viña del Mar, instancia que reunió a integrantes y músicos que, en distintos momentos, han dejado una huella significativa en la historia del conjunto.

“El disco nació de la necesidad de un reencuentro y también de revisar un poco, muy libremente, aquellas canciones del patrimonio del repertorio del Inti Illimani, que están ahí, colgadas, pegadas a un muro invisible, en una especie de vida atemporal. Pasan los años y están siempre ahí esas melodías, siempre, esos mensajes, como si hubieran sido escritos antes de ayer”, explica Horacio Salinas, director musical de la agrupación.

Salinas define el nuevo álbum como una suerte de recorrido por diferentes momentos de la trayectoria musical del conjunto: “es un disco un poco antológico. Una antología de una parte del repertorio del conjunto, donde hay canciones que aprendimos hace más de cincuenta años atrás, melodías que hicimos hace cuarenta años”.

Entre las obras que forman parte de este registro se encuentra “Cueca de la ausencia”, canción relacionada con el impacto del regreso a Chile después del exilio y con la distancia entre el país imaginado y aquel que los músicos encontraron al retornar a comienzos de los años noventa.

El álbum también recupera piezas como “Tacacoma” y “Ángelo”, obras que expresan el permanente interés de Inti Illimani por las tradiciones musicales de Chile, América Latina y otras culturas del mundo.

Para Salinas, esa relación con la tradición no significa reproducirla de manera estática, sino mantenerla viva y en permanente transformación: “lo importante de la tradición no es adorar la ceniza, sino transmitir el fuego. Eso es lo que a nosotros nos interesa”.

Esa concepción atraviesa buena parte del trabajo de Inti Illimani: una música que recoge elementos de distintas tradiciones y los transforma desde una mirada propia, construyendo aquello que el propio Salinas ha definido como un “folclor imaginario”.

El título del álbum proviene de unos versos del poeta chileno Jorge Teillier, nacido en Lautaro, la misma ciudad de origen de Horacio Salinas. La frase apareció casualmente ante Salinas durante una visita a Lautaro, escrita con plumón blanco sobre el vidrio de un café. Se trataba de un fragmento del poema Edad de oro: “Un día u otro, todos seremos felices. Yo estaré libre de mi sombra y mi nombre”.

La frase quedó resonando en el músico y terminó dando nombre al nuevo disco: «esto tiene que ver un poco con la nostalgia del futuro, que es una de las cosas que pregonaba Jorge Teillier. Y yo, como lautarino, también tiendo mucho a tener esa nostalgia; esa nostalgia que tiene que ver con aquello que no nos ha sucedido, pero nos debiera haber pasado”.

Así, el título funciona en el disco como una declaración poética que conecta memoria, futuro, territorio y música. Curiosamente, la grabación del álbum no formaba parte de los planes iniciales de la agrupación. Fue durante el concierto realizado en Viña del Mar cuando Salinas percibió que se había producido una conexión musical particularmente especial entre los músicos.

La decisión permitió conservar un momento único de esa reunión musical y convertirlo en un nuevo capítulo de la extensa discografía de Inti Illimani Histórico. “Un día u otro, todos seremos felices” llega al público en formato vinilo, reivindicando también el valor del disco como objeto físico. 

La edición busca dialogar tanto con quienes han acompañado la trayectoria de Inti Illimani desde sus primeros registros como con nuevas generaciones de oyentes y coleccionistas.

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El single está disponible junto con un video musical oficial dirigido por el estrecho colaborador de Miley, Mert Alas, “Bass Persuades” ya está disponible en las diferentes plataformas.

Miley también regresará a los escenarios, anunciando dos presentaciones en el legendario Hollywood Bowl en Los Ángeles el 16 de octubre y el 18 de octubre.

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El clip lo sitúa como un explorador del universo que enfrenta diferentes peripecias en otros planetas, conoce seres extraterrestres y sorprende con un final inesperado, jugando a expandir aún más la imaginación gracias a nuevas tecnologías.

La canción forma parte de su sexto disco, fue compuesta por Pedropiedra y producida junto a Camilo Artigas, y desde su origen ha tenido un tratamiento especial; por ello, en los shows de lanzamiento de “Tótem” en Santiago y Concepción, fue enriquecida con la participación de un coro integrado por fans que pasaron por una audición y tuvieron la oportunidad de sumarse en escenario a estos hitos.

“Cielo” es parte del alabado disco “Tótem” (2024), que ya celebra dos años y que incluye 17 canciones que transitan por distintos registros del pop, siendo una de las placas destacadas de ese año y logrando nominaciones a los Premios Pulsar.

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