“Este material fue construido a partir de un proceso de prueba, descarte y de volver a intentar. Fueron más de 80 demos que dieron como resultado las 12 canciones finales que se mueven, avanzan, se desvían y reaparecen desde otro lugar, en una sensación de movimiento constante donde las ideas se transforman, más de lo que se resuelven”, expone Mariano Solanes, voz y guitarra de Anagrxma.

El músico y productor, agrega que “las canciones cuentan con una grabación limpia e intervenida con efectos, dejando ver los cambios con claridad, ya que no se instalan por completo, mientras que la voz se mantiene como un eje flexible dentro del recorrido”.

Hace unas semanas Anagrxma sorprendió con su regreso a la escena presentando “Tipos de Azul”, un adelanto del disco “Suit”. Esta canción, que habla sobre una despedida y de la convivencia con personas del pasado, fue una muestra muy fiel a lo que el público podrá apreciar ahora en el resto de los temas que componen el álbum.

Mariano Solanes (voz y guitarra) y Benjamín Plaza (batería) son Anagrxma, una banda independiente que se expande con la colaboración, activa en la grabación/experimentación, de Matías Saavedra (bajo), Erasmo Collao (saxo) y Lucas von Mühlenbrock (piano).

Cabe destacar que el disco “Suit” de Anagrxma es un proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART). En este contexto, Mariano Solanes destaca que “será un material musical que perdurará en el tiempo como patrimonio cultural de Chile”.

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«A nuestros queridos fans de Sudamérica. Queremos compartirles algo importante sobre nuestras fechas. Debido a que nos encontramos en un momento especial dentro del proceso creativo y grabando nuestro nuevo disco. Tuvimos un retraso con el estudio y los productores, que nos obliga a mover las fechas que teníamos previstas para noviembre de 2026.

Sabemos que esto puede ser inesperado y realmente agradecemos su comprensión y paciencia. Para nosotros es muy importante poder darles el mejor show posible, como todos los fans de ILL NIÑO en vivo. Y llevaremos a 2 grupos grandísimos con nosotros».

Las nuevas fechas quedan de la siguiente manera:

Noviembre 2026:

10 – Lima – Yield Rock
11 – Santiago – Teatro Cariola
12 – Buenos Aires – Uni Club
14 – São Paulo – Carioca Club
15 – Curitiba – Tork N Roll

Desde la producción (Free Fall Entertainment), estamos a la espera que en los próximos días, el grupo (Hed) Pe confirme su participación para la misma jornada.

Los boletos adquiridos para las fechas de abril /mayo, serán válidos para las nuevas fechas de noviembre 2026, no es necesario realizar ningún trámite.

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Lejos de ofrecer respuestas definitivas, el disco se plantea como una especie de “método imperfecto” dividido en tres etapas: dolor, goce y reconstrucción, inspirado en una pregunta que el propio artista se hizo en medio de una noche de fiesta: ¿cuántas personas salen a bailar para sanar el dolor?

“Durante este tiempo, intenté ordenar en pasos mi proceso de sanación. Esta es la guía de autoayuda pop que quiero entregarle al mundo”, explica.

A lo largo de sus 11 canciones, Barbacius mezcla electrónica, dembow y guiños al bolero, en lo que define como “música para bailar y llorar”, una propuesta que abraza tanto la intensidad emocional como la necesidad de disfrutar. El resultado no es un manual de superación, sino un retrato más cercano a la experiencia real del desamor: desordenada, nocturna y comunitaria.

Barbacius se ha  a posicionado como una voz distinta dentro de la escena independiente, visibilizando relatos más amplios sobre identidad y deseo, permitiéndonos entrar más profundo a su universo a través de un short film grabado en la capital mexicana. Dirigido por Pablo Fattori, el cortometraje muestra cómo la ciudad se convierte en testigo de las distintas etapas emocionales que atraviesa el protagonista.

El trabajo audiovisual ya cuenta con una nominación a los SAM 2026 de Citylab Global, siendo parte de la selección oficial de videoclips.

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Masterizado en Estados Unidos por el reconocido ingeniero Jack Endino, figura clave en el desarrollo del sonido alternativo internacional, el sencillo alcanza un nivel de contundencia que potencia su mensaje. La producción logra capturar la crudeza de la banda, situando la voz en primer plano como un elemento autoritario que encarna el discurso que la propia canción busca cuestionar.

“Gatillo Fácil” expone, desde la ironía, los mecanismos discursivos que justifican la violencia y la impunidad. Su letra incomoda y provoca, obligando a enfrentar un relato que se ampara en la supuesta “buena fe” para eludir responsabilidades. Lejos de glorificar la violencia, la canción la denuncia abiertamente, evidenciando sus consecuencias y posicionándose como un ejercicio de memoria y resistencia.

Formados en 2020 en Concepción, en pleno contexto de pandemia, Johnkies surge como una respuesta artística a un entorno marcado por la incertidumbre y la tensión social. Su primer EP, La Ciudad del Bailoteo, les permitió abrirse paso en la escena independiente, destacando por su energía en vivo y una propuesta estética coherente con los tiempos que atraviesan.

La banda ha tenido una destacada trayectoria reciente, incluyendo su participación en SurPop Fest 2024 y una gira por Colombia, además de una sólida presentación en el Festival Fluvial de Valdivia durante 2025. Estos hitos han consolidado su presencia tanto a nivel nacional como internacional, posicionándolos como una de las propuestas más intensas del circuito independiente chileno.

Actualmente, Johnkies trabaja en su primer LP, proyectado para el primer semestre de 2026, el cual también contará con la masterización de Jack Endino. Integrada por Nielsen Werlinger, Ítalo Polizzi, Juan Pablo Reyes y Víctor Ibáñez, y siendo parte del sello SurPop Records, la banda reafirma con este lanzamiento su compromiso con una música que no solo interpela, sino que también deja huella.

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El nombre fue decidido por el Consejo Directivo de la organización en homenaje al autor de “Canción a Magdalena” y “Los Pasajeros”, fallecido en diciembre de 2025, aunque el hito de renombramiento del espacio vino a recordar otra efeméride: El natalicio de Zegers, nacido un 21 de abril de 1944, hace 82 años.

De ahí que la emoción impregnara a la audiencia que hoy llegó hasta el recinto ubicado en calle Santa Filomena 110, incluyendo a la familia del recordado cantautor y a artistas que en distintas etapas compartieron con Julio Zegers, como Mauricio Redolés, Eduardo Gatti, Nano Stern y Luis Le-Bert, entre otros.

La cita incluyó una intervención en décimas de Eduardo Peralta, recordando la trayectoria y significado de Zegers, y una presentación de Magdalena Matthey interpretando precisamente las canciones más emblemáticas del artista, aquellas que le valieron sendos triunfos en las ediciones 1970 y 1973 del Festival de Viña del Mar: “Canción a Magdalena” y “Los Pasajeros”.

Sobre este renombramiento del tradicional espacio, el presidente de SCD, Rodrigo Osorio, aseguró que “es una decisión que nos llena de emoción, porque este es un lugar muy significativo para los músicos y músicas. Prácticamente todos hemos pasado por acá, fue parte del inicio de nuestras carreras, y volvemos cada vez que queremos encontrarnos con nuestro público de forma más cercana. Aquí la música se vive en estado puro, y eso era también Julio: Música en estado puro; una expresión que nace de la sensibilidad, que se manifiesta con sencillez y que se hace grande en la emoción que provoca en la gente. Ojalá que esa energía se haga presente en cada presentación que aquí tenga lugar, porque eso significará que tendremos una escena musical más potente y más comprometida con el arte y con la audiencia”.

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Ambas locaciones significan una visita especial para el artista, quien pisará por primera vez dichos escenarios y en el contexto de su gira sudamericana, con fechas en Colombia y su natal Argentina.

Creador de sonidos que marcaron generaciones: precursor del rock argentino, también a cargo del disco Corazones, de Los Prisioneros; y recientemente, compositor de la banda sonora del renombrado juego y en su versión para la serie televisiva de HBO, The Last of Us, Santaolalla pretende realizar un recorrido íntimo y poderoso por el repertorio que ha marcado su carrera.

Lo anterior, centrándose en las piezas de su disco Roncoco (1998), donde hace dominio del instrumento con el mismo nombre del álbum, de origen andino, –específicamente de Bolivia–, perteneciente a la familia del charango, con el tamaño de un ukulele y característico por sus 5 cuerdas dobles. 

Este trabajo discográfico lo llevó al reconocimiento internacional y le significó participaciones en diversas películas. El tema “Iguazú” sería parte de The Insider (1999), de Michael Mann; lo mismo que para la premiada Babel (2006), dirigida por Alejandro Gonzalez Iñarritu y que le valió un Óscar por “Mejor Banda Sonora”. Asimismo, “De Ushuaia a La Quiaca” formó parte de la banda sonora de Diarios de Motocicleta (2004), a cargo de Walter Salles.

“El hechizo de este álbum sucede dentro de un parámetro musical minimalista, un rango sutil y simultáneamente, expansivo y majestuoso. Como el paisaje de donde proviene el ronroco, los Andes, territorio natural de este instrumento hasta entonces prácticamente desconocido”, acuñara el aclamado director cinematográfico, Alejandro Gonzalez Iñarritu, quien trabajó con el músico argentino y en el contexto del 25º aniversario de esta producción musical.

Dueño de una sensibilidad única en vivo, es de esta manera que Gustavo Santaolalla cautivará en su reencuentro con el público nacional. Entradas disponibles para ambas fechas bajo sistema Ticketplus. Produce Mojo Booking.

Masterclass en Teatro CA 660

Sumada a su agenda de shows en nuestro país, Gustavo Santaolalla estará realizando una clase magistral titulada “La Música como Identidad y Puente Cultural”, en torno a sus procesos creativos, el sábado 22 de agosto a las 19 horas, en el Teatro CA 660 de la capital. 

Una invitación para los seguidores de su trabajo, así como para realizadores y público en general interesado. Este evento es parte de la Cartelera 2026, de la Fundación CorpArtes. Entradas a la venta a través de Ticketplus.

ENTRADAS CONCEPCION

ENTRADAS SANTIAGO

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Lejos de la balada romántica tradicional, «Nada» se siente como una conversación privada que llega tarde. La letra funciona como un desglose de esa distancia defensiva que muchas veces se interpreta como apatía: “Perdón por ser tan nada / mi mente es un arma, recién aprendo a dominarla bien”, canta Vera Creo, estableciendo desde el inicio que el conflicto no es con el presente, sino con el aprendizaje de no repetir historias que casi lo quiebran anteriormente.

Una apuesta por lo orgánico

Musicalmente, la pieza destaca por una producción que escapa de lo excesivamente digital para refugiarse en el sonido de banda. Producida por el mismo artista y registrada en Estudios Antinao, la canción se apoya en una base sólida compuesta por Isaías de la Sotta (batería), Diego Rojas (guitarra eléctrica) y Daniel Gajardo (bajo). Los arreglos corales de Rocío Gatica terminan de dar esa atmósfera melancólica pero esperanzadora que define el concepto de su próximo álbum, «Inquieto Sereno».

La grabación, que contó con el soporte técnico de Adolfo Painian y Javier Díaz, logra capturar esa urgencia por la liberación que menciona el autor: el deseo de volver a sentir el amor romántico sin que la «mente como arma» interfiera en el proceso.

Relato visual en el Humedal de Mantagua

El universo de este sencillo se expandirá próximamente con un videoclip filmado en los parajes del Humedal de Mantagua. La pieza cuenta con la dirección del propio Raúl Vera Creo en conjunto con Daniel Gajardo como codirector, quien además estuvo a cargo de la cinematografía. El montaje final, trabajado por Gajardo con la asistencia del músico, busca traducir a imágenes la quietud e introspección que propone el track.

Para quienes quieran vivir la experiencia sonora de este proyecto en directo, el músico ha anunciado un show pro-fondos para el viernes 5 de junio, clave para la recta final de la post-producción del disco. Con este tercer sencillo, Raúl Vera Creo deja la mesa servida para lo que será «Inquieto Sereno», un álbum que promete ser uno de los ejercicios de pop más honestos del año en la escena independiente.

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Entre el 8 y el 16 de mayo, la banda viajará en dirección sur del país, presentando conciertos en Chillán, Concepción, Valdivia, Puerto Varas y Puerto Montt, reafirmando su carácter en el escenario y compartiendo con bandas locales de cada ciudad. 

Con influencias como Cocteau Twins, Deftones, Porcupine Tree o PJ Harvey, Vestya transita entre art rock, dreampop y shoegaze, con toques progresivos y metal alternativo, equilibrando una densidad pesada con texturas etéreas, evocando un sonido atmosférico, introspectivo y de alto voltaje emocional.

“Sigilos”, su EP debut, explora la fragilidad y fortaleza a través de líricas inspiradas en la naturaleza y la introspección. La pieza ofrece un viaje de 25 minutos que transforma sombras internas en resistencia poética. El disco propone una obra introspectiva, equilibrando el peso del rock progresivo y la exploración sonora anclada en la tradición del shoegaze, logrando provocar una experiencia emotiva. 

La banda realizará su gira con su formación actual, integrada por Isidor Gómez (vocalista, guitarrista y performer), Fractal Zúñiga (guitarrista/La Lúcuma, FractalEspiral), Fernando Velasco (bajista/ex Matar a Grax) y Fabiana Gimenez (baterista/Fadinoloops, Ignacio Redard, Estriba).

Gira Sur de Chile 2026:
Viernes 8 de mayo en la Esquina Rosada, Concepción, en una fecha gestionada por el colectivo Humedales Secos.
Sábado 9 de mayo en LatinosBar, Chillán
Lunes 11 de mayo en Teatro Diego Rivera, Puerto Montt
Viernes 15 de mayo en Estación Rock, Puerto Varas, sumando una clínica musical para jóvenes de la escuela.
Sábado 16 de mayo en Club Moma, Valdivia.

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A diferencia de sus masivas presentaciones, Inti-Illimani decidió trasladar su repertorio hasta el escenario de Maestra Vida, en una elección que no es azarosa: se trata de un retorno al origen, a la cercanía de las peñas y al sonido construido a mano, donde la distancia entre el músico y el espectador desaparece para dar paso a una jornada de conexión, identidad y memoria. 

«El canto es un oficio que se construye y perfecciona con el tiempo, igual que el trabajo de nuestra gente. Queremos que este 2 de mayo sea una reunión de voces en un espacio que resiste y palpita», señalan desde la producción del evento. En este formato, el público podrá apreciar el trabajo musical del grupo a corta distancia, en una jornada que pone en valor la bohemia santiaguina y la vigencia de un repertorio que ha atravesado generaciones.

Datos del evento:

Fecha: sábado 02 de mayo

Hora: 21.30 hrs

Lugar: Maestra Vida (Pío Nono 380, Recoleta)

Post show: hasta las 04:30 hrs junto a DJ Maringa

Entradas por Portaltickets 

Preventa $20000 (Agotada)

Entrada general a $25000.

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En este cuarto trabajo de estudio, la agrupación –convertida ahora en un explosivo sexteto– nos presenta a Jaco, protagonista del relato original «Al encuentro de sí mismo», que acompaña y engrandece la experiencia del álbum. Desde ahí, el disco se abre como la banda sonora de una revuelta popular que logró cambiar el orden social y permitió que la humanidad pueda convivir con la naturaleza en armonía y goce; una «utopía solarpunk» atravesada por el surrealismo y la psicodelia que invita a vivir un viaje meditativo y enérgico a través de siete composiciones.

«La historia de Jaco no tiene muchas palabras; se cuenta más bien a través de un sonido con varias capas, géneros e influencias. Nos gustaría mucho que cada tema logre transmitir la sensación que tiene el protagonista al deambular por las distintas dimensiones. Sentimos que ‘Círculo de Fuego’ es un trabajo para escuchar de noche, junto al relato escrito, pero también para escucharlo en el cotidiano, afrontando la rutina y estimulando la imaginación de otros mundos; que sirva para darle cara a la diaria opresión del sistema», cuentan sobre la placa grabada entre Mixuo Records, Perú, y EnPalqui Records, Valparaíso.

Además de ser una obra que integra distintos universos artísticos, ‘Círculo de Fuego’ es una radiografía de la identidad de Légamo. «Queremos que quien escuche sienta nuestra esencia más pura y la manera que tenemos de afrontar la música; una interpretación que, aunque hoy esté más refinada, sigue siendo cruda, visceral y propia de la escena en la que nacimos». 

Este espíritu genuino y rebelde que los ha posicionado como la banda punk del jazz se fortalece a través de la colaboración: suma una pieza junto a su aliado Pato Patín, incorpora la aparición de la banda imaginaria Lopurpura y cuenta con el trabajo visual de Francisca Messina, responsable del arte del disco. «Hoy sentimos a Légamo como un proyecto viajero y colaborativo», explican.

Las diferentes dimensiones de ‘Círculo de Fuego’ llegarán a los escenarios en una ambiciosa gira nacional que los tendrá recorriendo Chile durante abril, mayo y junio. El sexteto dueño de delirantes melodías de bronces y densos momentos instrumentales llevará la resistencia de la ciudad utópica de Tar Tar a La Serena, Santiago, Rengo, Valdivia, Concepción, Iquique y Antofagasta, en una serie de fechas que prometen trasladar al público al surrealista mundo de Légamo.

La travesía comenzará este sábado 25 de abril en el Calaca Bar de La Serena, para luego aterrizar en Santiago el sábado 2 de mayo en el mítico Thelonious Jazz Bar. El recorrido continuará el 9 de mayo en Aldea 31 de Rengo, antes de emprender rumbo al sur para presentarse el 21 de mayo en la Ex Fábrica Barrios Bajos de Valdivia, y el 22 y 23 del mismo es en Concepción. Finalmente, la banda llevará su utopía solarpunk al norte grande, el 12 y 13 de junio, con presentaciones en Iquique y Antofagasta, respectivamente. Las entradas ya están disponibles en el sitio web oficial de la banda.

«Esperamos que esta gira nos abra puertas, que nos pueda escuchar más gente y por sobre todo esperamos pasarlo genial y seguir tejiendo las redes de apañe dentro del under que hemos construido durante todos estos años. Creemos que somos una banda que vale la pena ver en vivo, por la entrega que tenemos sobre el escenario: somos 6 personas dándolo todo. Prometemos una experiencia intensa y única», adelanta Légamo, un proyecto que desde los rincones de Valpo persiste en la misión de descentralizar la vanguardia y demostrar que la identidad local es, hoy más que nunca, una fuerza irreemplazable en la música chilena.

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